"Berlin, 1945. Une femme prend la plume pour livrer un témoignage
rare et important dans lequel elle décrit l’existence violentée de
dizaines de milliers de femmes prises comme proies sexuelles par les
soldats russes installés dans la capitale allemande défaite par des
années de guerre mondiale."
10 sept. 2010

"Une "pièce superbe que l’on reçoit comme un coup de poing". Tatiana Vialle a su, grâce à l’interprétation d’Isabelle Carré tout en nuances et en sensibilité, nous faire partager le calvaire de cette femme qui tente de survivre coûte que coûte dans les décombres de Berlin."
Laurent Schteiner 23 sept. 2010

Un César, Deux Molières… A 39 ans, Isabelle Carré est l'une des comédiennes de cinéma et de théâtre les plus reconnues par ses pairs. Elle a joué sous la direction de François Ozon, Bertrand Tavernier ou Jorge Lavelli, et est actuellement à l’affiche du Théâtre du Rond-Point dans Une femme à Berlin. Elle revient largement sur son parcours au micro de Fabienne Pascaud.
Fabienne Pascaud 19 sept. 2010

"C'est au monde du travail, à l'usine, que s'attaque littéralement Zabou Breitman en adaptant le roman de Lydie Salvayre, La Médaille. (...) Un spectacle réussi parce qu'audacieux et dérangeant."
Luc Reyrolle 13 sept. 2010

"Ce spectacle a reçu le label « recommandé par la médecine du travail contre le stress »."
Oihana Gabriel 21 sept. 2010

"Un tableau d’honneur des employés modèles qui s’écaille au fil de la pièce pour se transformer en toile surréaliste.(...) Pile, le spectateur vient avant tout assister à la dernière mise en scène de Zabou Breitman jubilant à l’idée de retrouver son univers scénique, face, il en profite pour découvrir le texte sulfurique de Lydie Salvayre. La médaille est dorée à l’or fin avec ce duo d’artistes."

Ange Lise 22 sept. 2010

"Sous titré "Sur la nécessité de mordre ses amis", Dialogue d'un chien avec son maître, se présente comme une impertinente et joyeuse variation qui emprunte à la fable, au dialogue philosophique à la Diderot, aux discussions de comptoir, à la verve néo-réaliste fellinienne et à la figure beckettienne."
MM 10 sept. 2010

"Tous les ingrédients du conte de fées sont réunis : la mort, le chien manque de mourir en traversant une autoroute, le malheur, un homme, portier dans un hôtel et vivant dans une caravane délabrée, dont la petite fille a disparu et une belle histoire, celle de leur rencontre et de leur sauvetage. Tragédie clownesque donc, aux allures d’histoire pour enfants qui, ne nous y trompons pas, raconte bien davantage."
Evariste Lago 15 sept. 2010

"Philippe Sireuil a mis en scène cette fable moderne avec une simplicité efficace dans une ambiance de cirque où les duettistes improbables aux chaussures de clown et aux costumes beckettiens font leur numéro. Un spectacle léger et tendre qui a du mordant mené tambour battant par Philippe Jeusette et Fabrice Schillaci."
Corine Denailles 27 sept. 2010

"Deux heures ou presque donc  de grâce, d'intelligence, de réflexion, d'humour, de partage."
"Hommage, oui, bien sûr, au ciné-fils et au cinéma qu'il aimait, mais aussi objet théâtral parfaitement maîtrisé, réglé, précis, dans une bonne humeur contagieuse."
Martine Silber 19 sept. 2010

"Le miracle de cette réussite totale est à la fois de remettre dans l’espace public la parole déjà trop oubliée de l’un des plus grands penseurs français de la seconde moitié du 20ème siècle (oui, pas moins) et de nous la faire entendre mieux que ne nous l’avons peut-être jamais entendue."
Cyril Cossardeaux 18 sept. 2010

"Une parole dont il a pris soin de respecter hésitations, contractions et phrases suspendues, au risque assumé de faire rire. Bouchaud n’incarne pas Daney, il ne cherche pas à imiter sa voix, ni ne chausse ses lunettes, et s’il reprend certains de ses tics ou gestes, c’est pour s’amuser, pas pour faire vrai."
René Solis 18 sept. 2010

"Rien là de pompeux, ou de figé, mais un hommage des plus vivants, puisqu'il s'appuie précisément sur des entretiens entre Daney et Régis Debray. Entretiens retranscrits au mot, à la virgule, au soupir et à l'hésitation près, d'où l'impression de naturel qui s'en dégage."
Nedjma Van Egmond 20 sept. 2010

"Que voit-on dans le spectacle La Loi du marcheur ? Un homme qui parle. Un acteur qui met son corps au service de cette parole. L'homme, c'est Serge Daney à travers les entretiens - sorte de biographie errante et réflexive- qu'il enregistra, face à Régis Debray, quelques mois avant de mourir du sida en 1992."
Jean-Pierre Thibaudat 18 sept. 2010

Le ballet l'Homme à tête de chou est issu des fréquentations spirituelles et charnelles que le chorégraphe n'a jamais cessé d'entretenir avec les deux chanteurs. «Pour Bashung, conclut Jean-Claude Gallotta, et sans lui.»
Marie-Christine Vernay 12 nov. 2009

Près de trente ans plus tard, l'obsession a pris corps ; les corps des quatorze danseurs du Centre chorégraphique national de Grenoble dans une chorégraphie de Jean-Claude Gallotta où sept couples rejouent l'histoire de l'homme à tête de chou et de sa fatale shampooineuse. Entre-temps, il y a Alain Bashung : sa flamme pour le projet, sa maladie, sa chaise vide aujourd'hui au centre de la scène.
Ariane Bavelier 13 sept. 2009

Tout y est sans exception. Veineux, sensuel et cascadeur, échafaudé comme une véritable pièce musicale où chaque intermède conçu spécialement pour la narration chorégraphique prolonge la relecture de l'oeuvre initiale. Le puzzle prend forme comme une suite imaginaire et exotique de L'Imprudence.
Marc Besse 3 déc. 2009

La rencontre de deux monstres sacrés, Gainsbourg et Bashung, mise en ballet par Jean-Claude Gallotta, un magnifique spectacle où l’absence est au cœur du propos. La danse recueille ce vide qu’elle transforme en une énergie bouillonnante, empreinte de la force créative de ces deux grands poètes de la chanson française. Une expérience intense !
Stéphanie Richard 15 oct. 2010

Quelle famille ces Coleman ! S'il fallait symboliser à travers un  spectacle l'énergie du renouveau théâtral à Buenos-Aires, on  pourrait avantageusement prendre comme exemple le spectacle  « La omision de la familia Coleman » écrit et mise en scène par  Claudio Tolcachir et joué par son groupe Timbre 4.
Jean-Pierre Thibaudat 19 oct. 2010

Et comment exprimer son individualité lorsqu’on est prisonnier du microcosme familial et social ? L’auteur metteur en scène braque son regard intransigeant et transgressif sur cette emprise castratrice et la difficulté à s’en extraire. En s’attachant à démasquer les non dits et comment l'instinct de survie et l’égoïsme sont souvent indissociables, la compagnie 4 nous immerge au coeur de ces tensions cruelles et désopilantes avec une grande proximité qui en souligne l’affectation.

Amaury Jacquet 19 oct. 2010

Une comédie grinçante, l’histoire d’une famille qui se déchire. Autour de la grand-mère vivent sa fille et trois petits-enfants dans un appartement en huis clos dans le désordre et la précarité. (...) Un spectacle magnifique rempli d’émotion et de sensibilité.
Stéphane Capron 19 oct. 2010

Jouée avec vigueur par d’excellents acteurs, cette comédie (car c’est là sans doute l’étiquette qui convient le mieux à la pièce), cette comédie fait beaucoup rire, d’un rire qui ne laisse, au final, qu’un goût amer. Car où situer ici l’amour maternel ? Et où l’amour tout court ? On peut passer toute une vie (ou presque) à se serrer les uns contre les autres et ne connaître, en dépit de cette trompeuse multitude, que solitude.
Monique Lancri 19 oct. 2010

La compagnie argentine Timbre 4 - emmenée par son directeur, l’auteur et metteur en scène Claudio Tolcachir - nous plonge dans le quotidien d’une famille foutraque et saugrenue. Entre tragique et grotesque, un travail sur le réalisme qui déjoue les pièges de la caricature.
Manuel Piolat-Soleymat 4 oct. 2010

Entre chansons et réflexions, du jeu au je, l’artiste raconte et se raconte. Dit les mots qui font peur, comme celui de cancer, celui qu’elle a eu à affronter , une expérience qui hiérarchise tout et lui apprit à être moins speed et à trouver le bon rythme sur un plateau. « J’aurais pu faire médecine, j’ai fait malade , c’est la même branche ».
Dominique Darzacq 15 oct. 2010

Funambule sur le fil d’une vie en constant déséquilibre, Michèle Guigon avance pas à pas, au rythme enjoué mais sage de la découverte : de quoi sera fait demain ? D’une question existentielle placide à un élément de réponse déroutant (le théâtre à défaut du bac, le cancer plutôt que la maturité éclatante), elle se laisse guider par ce que la vie, même minée par l’angoisse de la mort, lui offre d’espoir, faisant de l’occasion de la chute celle du sursaut le plus généreux.
David Larre 13 oct. 2010

Elle raconte une vie, des épreuves et passe de l’intime à la quête existentielle qui touche à l’universel avec justesse et drôlerie, humilité et vérité poignante.
Amaury Jacquet 24 oct. 2010

A revoir le spectacle une seconde fois, dans ce nouveau lieu, force est de constater que le texte n’a rien perdu de sa force, la comédienne de son aura, accompagnée par son accordéon « souffle au coeur » pour un spectacle coup de coeur. 27 oct. 2010

Laura Scozzi et Olivier Sferlazza bousculent à coups de rire les limites de la normalité dans une société de plus en plus formatée.
Gwénola David 4 oct. 2010

Olivier Sferlazza est ébouriffant de maitrise dans une mise en espace raffinée de Laura Scozzi, aux éclairages travaillés et soignés. Ce spectacle créé à Angoulême en 2006 est une vraie révélation.
Stéphane Capron 8 nov. 2010

Mis en scène par Laura Scozzi, Olivier Sferlazza est poignant dans cette petite forme intelligente qui remue profondément le spectateur.
Dimitri Denorme 17 nov. 2010

L’art de philosopher sur la mort peut aussi passer par le rire. Du grand art ! 17 nov. 2010

Cette farce féroce contre l’égoïsme humain, qui confine toujours à la méchanceté, est absolument jubilatoire. Texte et mise en scène exigent des acteurs un engagement physique sans faille. Tous épatants, ils campent des personnages qui sont de véritables types de comédies modernes.
Corinne Denailles 18 nov. 2010

Une comédie amère sur la condition humaine désenchantée, qu’on soit en famille, en couple ou en solitaire. Le spectacle emporte l’adhésion, vérifiant cet axiome que, « si dans le rêve ça va mal, dans la réalité c’est encore pire».
Véronique Hotte 4 oct. 2010

Jusqu’au 11 décembre, Laurent Pelly met en scène une pièce de l’auteur israélien Hanokh Levin. « Funérailles d’hiver » est une blague juive sur l’amour et la mort, montée avec cynisme et humour.
Amelie Blaustein Niddam 15 nov. 2010

Une farce triste et grinçante du grand auteur israélien Hanokh Levin, mise en scène avec subtilité par Laurent Pelly. Des décors impressionnants, des comédiens affûtés menés par une Christine Murillo au sommet. Une soirée choc…
Philippe Chevilley 12 nov. 2010

La force de Nouara, c'est sa sincérité et sa fougue. Son talent pour nous transporter du rire à la boule dans la gorge. Ce récit cru et émouvant de vies amochées augure une belle carrière pour cette femme de caractère.
Oihana Gabriel 17 nov. 2010

La grande salle Renaud-Barrault accueille « Sacrifices » jusqu’au 28 novembre, un one woman show décapant sur les violences faites aux femmes, l’intégrisme et le racisme. Pas vraiment drôle ? Détrompez-vous, on rit aux éclats dans ce spectacle acide mis en scène par Pierre Guillois et porté par Naoura Naghouche.
Amelie Blaustein Niddam 18 nov. 2010

Issue d’un milieu défavorisé, Nouara Naghouche sait de quoi elle parle. Actrice engagée et révoltée, elle ne supporte plus les injustices faites aux mères et aux enfants, l’arrogance des machos, les non dits, les violences, le racisme. Alors elle le dit sur scène, avec ses mots, sa verve et surtout beaucoup d’humour et de sensibilité.
Stéphane Capron 11 nov. 2010

Encore un spectacle magique parmi les magiques. Archi pédé, mais d’une homophobie cinglante, d’une intelligence glaciale, d’un cœur absolu et simple, d’une beauté musicale sublime. (...) C’est un spectacle où l’on se sent « comme à Paris ». Le Paris de l’intelligence, de l’esprit, de la fête et des avant-gardes du XX e siècle, le gay Paris qui est une fête. Ça me l’a fait seulement une fois à ce point, avec le chef-d’œuvre de Sophie Perrez et Xavier Boussiron sur Francis Picabia, El coup du cric andalou. Tu ressors et tout brille, l’esprit. Soirée parisienne. (...) Justesse de cœur absolu. Absence absolue de tricherie.

Yves-Noël Genod 24 nov. 2010

Trente ans apres un premier tour de pédalo qui le mena jusqu'à Broadway, Alain Marcel, plus provocateur que jamais, mais sans rien perdre de son raffinement évoque l'homosexualité. (...) Quatre hommes, au talent sublime et génereux, passent en revue ce qui se dit, ce qui se fait, font l'inventaire de leurs amours et de leurs emmerdes Leurs refrains sont gais ou tristes, tendres ou amers, militants parfois. Emouvants à en creuser une larme dans nos certitudes. 1 déc. 2011

L'on passe de l'écoute d'un tube d'eurodance loufoque à un chant lyrique qui souligne le désespoir des personnages, de manière abrupte et c'est bien là toute la puissance du spectacle. Monsieur Martinez provoque un rire avec des dents merveilleusement acérées et qui mordent très juste.
MAM Thavary 6 déc. 2010

Leur jeu subtil permet de s’écarter de la tendance caricaturale pour ne garder que l’humain, que la faiblesse humaine. Le rire est salvateur et nécessaire car nous rions de nous même, ce qui est humain et finalement sain.
Evariste Lago

Grâce à une scénographie intelligente et à une interprétation de qualité, ce spectacle emporte l’adhésion.
Fabrice Chêne 21 juil. 2009

Mais un nouvel espoir pour la moustache est apparu
Non Mr Rochefort vous ne serez pas le dernier des moustachus
Dans l’underground parisien on murmure son nom
Il a de plus en plus d’adeptes pour lui donner de l’aplomb
Jeunes imberbes fallacieux il vous reste peu de temps pour sauver les meubles
Il est né et il prospère Le Grandiloquent Moustache Poésie Club
Audren Destin 8 déc. 2010

Le spectacle navigue entre performance clownesque et poésie sensible. Les moustachus improvisent, mais pas trop, juste ce qu’il faut pour jouer gentiment avec le public. Cette plongée dans le monde du Slam s’écoute avec un grand bonheur.
Stéphane Capron 6 déc. 2010

"Ces artistes époustouflants cons­truisent un univers joyeux et magique, tout en moquant le nouveau cirque. (...) Le plus fantastique spectacle de noël"
Oihanna Gabriel 21 déc. 2010

"Pamphlet sur scène… Cela faisait longtemps qu'on n'avait pas vu au
théâtre un texte français « anti-français » aussi féroce et réjouissant,
maniant le paradoxe, jouant avec la langue et les codes, pour mieux
dynamiter nos certitudes."

Philippe Chevilley 6 janv. 2011

"Seul face au public du Théâtre du Rond-Point, Stanislas Nordey met en scène et joue magnifiquement La Conférence, de Christophe Pellet. Avec un style et un art de l'exagération dignes de Thomas Bernhard, cet auteur français de 47 ans, qui vit aujourd'hui à Berlin, y met en scène un auteur français qui pète les plombs sous les coups de ce qu'il estime être la "médiocrité" de l'institution théâtrale française, et de l'"esprit français" en général."
Fabienne Darge 20 janv. 2011

"C’est un conte cruel. Mais les contes sont presque toujours cruels. Celui-là, Et l’enfant sur le loup de Pierre Notte, est plutôt un anti-conte de fées, dont le sujet terrible est traité, ou plutôt soigné, par l’humour le plus noir."
Gilles Costaz 21 janv. 2011

Pierre Notte fait le pari osé de marier le fait divers ignoble et le conte de fées. La mise en scène délicate, foraine et stylisée de Patrice Kerbrat, l’interprétation fine des comédiens, Judith Magre en tête magnifient ce texte drolatique, d’une poésie noire d’encre.
Philippe Chevilley 17 janv. 2011

De multiples faits divers autour de la séquestration et de l’inceste, Pierre Notte a tiré ce conte noir où un loup qu’il incarne lui-même tel un Monsieur Loyal magicien commande constamment la sordide et magique histoire, car l’enfant loup va triompher sinon se venger. La fable est effrayante et enchantée à la fois. Récit aussi inquiétant qu’un méchant conte de fées pour enfants pas sages, le spectacle reste étrange, pas banal, une curiosité qui saisit, dérange, ravit. Un ovni.

Fabienne Pascaud 25 janv. 2011

"Après son époustouflant et autobiographique "Terrien", il revient sur scène avec "Le Dodo",
un conte presque philosophique qui a pour véhicule la métaphore de ce drôle d'oiseau qui ne volait pas, disparu faute de combativité et d'adaptabilité, maladroit et niais."
MM 18 janv. 2011

Y a-t-il encore une place pour le dodo dans ce monde ? Comment survivre quand son espèce est menacée ? Construit au fil de débats, d'improvisations, de chantiers publics, le solo de Yannick Jaulin est traversé par les questions urgentes à l'ère de la globalisation et du nivellement des identités. Il met en scène les contradictions qui déchirent le conteur quand il contracte le « syndrome du dodo » : comment rester debout quand son monde s’est dérobé sous ses pieds, si on est inadapté, hors des normes, comme le dodo ?
Journal de la Culture - Hervé Pons 22 janv. 2011

"N'était la voix, la finesse sidérante de la composition, Gérard Desarthe serait méconnaissable Son apparition est le premier bonheur de «Harper Regan», une piece de I Anglais Simon Stephens, ne en 1971 II y en aura d'autres. Au fil de conversations faussement banales, on nous parlera du monde sourdement violent dans lequel nous vivons, sans grands discours sans cris ni larmes C'est un théâtre de climat, d'atmosphère changeante. (…) Au pied d'un mur de verre, le metteur en scène Lukas Hemleb capte au plus juste I'air froid qui circule entre les êtres, et la chaleur qui est en eux." article non disponible en ligne

Odile Quirot 27 janv. 2011

"Marina Foïs est Harper Regan. Cette comédienne s'impose comme l'une des plus grandes de sa génération. Toujours sur le fil du rasoir, ne cédant à aucune émotion factice. Au bord du précipice. La distribution réunie par Lukas Hemleb est juste. Parfaite. Caroline Chaniolleau est une mère terrifiante et pathétique à la fois. Louis-Do de Lencquesaing dans un double rôle, dont celui d'un zonard dragueur et raciste, révèle toute la veulerie du personnage. Gérard Desarthe est juste. Comme d'habitude. Pierre Moure et Alice de Lencquesaing sont juvéniles et touchants à souhait. Un théâtre à découvrir."
Jean-Louis Pinte 18 janv. 2011

"Un spectacle intéressant donc, maîtrisé de bout en bout, qui parle
beaucoup au public adolescent, parce qu'il parle - intelligemment, sans
leçons -du présent."
Philippe Chevilley 17 janv. 2011

La mise en scène de Lukas Hemleb joue sur le rythme lent, régulier, et la tonalité sourde, met la réalité à distance, comme derrière un écran que ne parvient pas à traverser Harper. Marina Foïs est cette femme qui se retrouve à côté de sa vie, elle lui impose sa lucidité, sa clarté de jeu, sa présence fermement dessinée. Gérard Desarthe compose trois personnages, à chaque fois précisément typés et interprétés. Un texte singulier et une pièce qui garde son opacité, pour le meilleur.
Annie Chénieux 6 févr. 2011

Un spectacle sous forme de manifeste jubilatoire sur le droit d’envoyer tout valser de temps à autre.
Le théâtre du Rond-Point fait en heureux choix en assumant une pièce à la mise en scène et à la direction d’acteurs totalement contemporaines.
Amelie Blaustein Niddam 21 janv. 2011

Pour son retour sur la scène française, l'excellent metteur en scène Lukas Hemleb a choisi une pièce tout en nuances, en glissements, en minces catastrophes et rétablissements intimes.(…) Habitant le rôle avec délicatesse et fermeté, Marina Foïs, avec Gérard Desarthe et ses camarades, donne toute sa force à un propos non pas neuf, mais traité avec beaucoup de tendresse.
Laurence Liban 6 févr. 2011

Sur les planches du Théâtre du Rond-Point, il n'épargne personne. Et ses camarades humoristes passent pour des gentils. (...) C'est drôle. Très drôle, même. Avec quelques ouvertures bienvenues vers l'absurde et l'humour noir.
Eric Libiot 9 févr. 2011

[Christophe Alévêque] abhorre le cynisme satisfait, il rit pour alarmer, veut que ça change, que ça choque. Vulgarité, brutalité, il retourne les armes à sa portée, et tire sur tout ce qui ne bouge plus.
Stéphane Capron 22 janv. 2011

Au moment où on expire violemment, juste après le crochet du droit, Alévêque nous caresse dans le sens du poil. Une excellente rythmique, un furieux jeu de jambes, et quelques rounds plus tard, notre boxeur s'inclut dans le combat et se bourre de punchlines.
Mathilde de Beaune 1 févr. 2011

"Les Monstrueuses Actualités de Christophe Alévêque" s'articulent autour de la portraiture carabinée de la gouvernance de la France et des actualités fraîches qui suscitent sa roborative et percutante rouspétance.
MM 31 janv. 2011

"Tout cela ne nous mène pas au coeur des ténèbres de l'amour. Mais François Bégaudeau possède un don : il sait "choper" le langage d'aujourd'hui. Sa pièce est à prendre pour ce qu'elle est : du "théâtre Polaroid". Soit la photo instantanée d'une situation ordinaire, avec des personnages immédiatement reconnaissables. Ils se réfugient derrière un ordinateur ou sur un vélo d'appartement, s'étalent sur le canapé, tiennent à la main leurs téléphones portables et parlent en disant "con" aussi naturellement que chez Racine on soupire "las" pour hélas."
Brigitte Salino 20 févr. 2011

"(...) une pièce, sa première, « Le Problème », une vraie bonne surprise créée au Théâtre du Nord à Lille jeudi soir et qui va tourner au moins jusqu'à la mi-mai (dont deux mois à Paris). Ne pas s'attendre à un geste épique ou un brûlot social. « Le Problème », l'auteur le dit lui-même, est un « drame bourgeois ». Un drôle d'objet postmoderne : vaudeville froid ou boulevard « cold wave », pour emprunter au vocabulaire rock'n rollesque."
Philippe Chevilley 10 janv. 2011

Arnaud Meunier, 37 ans, met en scène au Théâtre du Rond-Point cette courte pièce de François Bégaudeau, qui joue avec les codes du naturalisme, et donne la part belle aux acteurs.

Aurélien Ferenczi 27 févr. 2011

Entre compassion et désinvolture, humour et profondeur, Bégaudeau a choisi le fil ténu de la comédie dramatique – un genre qui, selon nous, lui sied mieux qu’aucun autre – pour « dédramatiser » nos tragédies ordinaires. Pari réussi.
Lauren Malka 8 mars 2011

"Première pièce de François Bégaudeau, l’auteur d’« Entre les murs », « le Problème » est un huis clos dont la légèreté, due essentiellement à l’emploi d’un langage courant de haut vol, n’est qu’apparente. (...) Bien plus complexe que ce qu’il semble livrer, drôle, cru et cruel, le Problème remue profondément."
Sarah Elghazi 10 janv. 2011

Une petite merveille que ce solo d’un homme de théâtre qui décortique, en cinquante minutes, les mécaniques du rire : comment faire rire, pourquoi rit-on, comment rit-on ?
Stéphanie Barioz 16 mars 2011

Pour les besoins de ses démonstrations, Jos Houben fait parfois appel à des spectateurs comparses, victimes consentantes d’un jeu tout à fait dénué de cruauté. Plus pédagogue que bateleur, il ne joue surtout pas à l’amuseur professionnel. Et même lorsqu’il pousse à l’extrême certaines de ses théories, ainsi mimer un camembert, il a l’élégance de rester dans son sujet : le corps et sa tenue.
René Solis 10 déc. 2008

C'est une merveilleuse leçon de théâtre que propose Jos Houben. En cinquante minutes, une irrésistible conférence, très logique et complètement folle.
Armelle Héliot 2 déc. 2008

C’est dire le tour de force de la conférence-master class que propose l’artiste belge Jos Houben qui fait se gondoler le public du Théâtre du Rond-Point en posant les jalons d’une dialectique de la verticalité et de la chute.
Etienne Sorin 21 mars 2011

Et après nous avoir émerveillés plus d’une heure, les acteurs d’Arias nous saluent avec joie et frénésie en nous offrant leur plus large sourire pour partager une ultime fois un moment privilégié.
Moussa Kobzili 17 avr. 2011

La mise en scène de Tatouage est tout simplement époustouflante … Les costumes et les maquillages sont magnifiques et viennent souligner la poésie et l’humanité qui jaillissent de ce spectacle du début à la fin.
Moussa Kobzili 17 avr. 2011

Entre théâtre et cabaret, Alfredo Arias réussit un tour de force : évoquer dans toute leur humanité deux personnages bigger than life ainsi que tout un pan de l’histoire de l’Espagne et de l’Argentine, en s’amusant, en chantant et en donnant à réfléchir. Qui dit mieux ?
Delphine Kilhoffer 20 sept. 2009

Hymne à la vie, dans ses plus dures épreuves et ses apothéoses, à la lutte, à la scène – à toute scène…Du grand art.
Vincent Morch 10 déc. 2009

Grâce à une esthétisation poétisée et une mise en scène brillamment orchestrée, les protagonistes impriment à cette fresque historique tout le surréalisme, la démesure et la folie propres à ces deux destins hors normes marqués par un sens inné de la représentation.

Un spectacle enlevé et bigarré, olé !
Amaury Jacquet 17 avr. 2011

Interview de Jacques Osinski - metteur en scène - par Aurélien Ferenczi.
Aurélien Ferenczi 1 mai 2011

Qu'est-ce que l'image ? Soi ? Le regard des autres ? Marius von
Mayenburg aborde les questions avec un style imparable : phrases courtes et enchaînement rapide. Pas une trace de graisse. Chaque mot porte, cinglant.

Brigitte Salino 7 mai 2011

Et si l'on rit, grâce au jeu de Jérôme Kircher, sa présence, son visage (parfois sous bandes Velpeau), on est aussi très ému…Jérôme Kircher est un grand depuis longtemps !
Armelle Heliot 16 mai 2011

Un quatuor en or, qui joue crescendo et à l’unisson cette partition délirante sur la tyrannie du beau.
Olivier Pansieri 17 mai 2011

Mise en scène par Jacques Osinski en miroir avec Le Chien, la nuit et le couteau, la pièce, interprétée notamment par les excellents Jérôme Kircher et Frédéric Cherboeuf, se donne comme une fable retorse sur la perte d'identité et le totalitarisme de l'apparence.

Laurence Liban 19 mai 2011

Jacques Osinski signe ici une mise en scène d’une fluidité et d’une force de tous les instants. On y croit dur comme fer, ravi, cueilli. Du grand art.

Olivier Pansieri 18 mai 2011

Interview de Jacques Osinski - metteur en scène- par Aurélien Ferenczi
Aurélien Ferenczi 1 mai 2011

Une belle fantastique parfaitement dirigée par Jacques Osinski.
Stéphane CAPRON 16 avr. 2011

Ces rejetons turbulents nous font verser une grosse larme de nostalgie sur ce que l'on a été, des petits monstres en puissance, remplis d'amour et de joie de vivre.
Marie Céline Nivière 18 mai 2011

Composé d'une série de sketches peaufinés depuis l'Académie nationale des arts du théâtre de Saint-Pétersbourg et éprouvés à travers des années de tournées dans le monde entier, le spectacle tire son unité d'un état d'esprit fondé sur une authentique tendresse pour les petits, les maladroits, les pauvres d'esprit et les coeurs purs.
Laurence Liban 3 mai 2011

Triomphant partout dans le monde depuis six ans, la troupe russe découverte à Avignon en 2005 revient à Paris, au théâtre du Rond-Point, jusqu’à début juillet.
Grégoire Biseau 6 mai 2011

On est touché au cœur : toute notre enfance est là.
Ariane Bavelier 9 mai 2011

Du grand art, du grand bonheur.
Fabienne Pascaud 27 avr. 2011

Cascade de sketches et trouvailles à foison déclenchent l’hilarité. Les numéros s’enchaînent sans temps mort. Les acteurs sont époustouflants de bout en bout, les effets sonores et visuels réglés au cordeau jusqu’à la fin, une apothéose !
Léna Martinelli 5 mai 2011

Si Semianyki — qui signifie « la famille » — émeut autant qu’il fait rire, c’est qu’il parle avec un humour aussi tendre que tranchant du quotidien le plus trivial ...On n’assiste pas seulement à un spectacle de clowns mais à un film muet en musique, une sorte de « Nous nous sommes tant aimés ».

Yves Jaeglé 6 mai 2011

« Obludarium » est une expérience unique,  un rendez-vous avec l'insolite, le beau et l'atroce...Un spectacle transgenre, entre cirque, marionnettes, théâtre, cabaret, qui nous balade de l'infiniment grand à l'infiniment petit, nous fait rire et nous effraie.
Philippe Chevilley 30 mai 2011

Obludarium enchante comme une image d'Épinal dont les
protagonistes n'auraient pas résisté au bonheur de mettre les images
sens dessus dessous, avec beaucoup d'huile de coude et des idées
lumineuses.
Ariane Bavelier 31 mai 2011

Les frères Forman recréent un cabaret anachronique et déjanté, qui se fiche des modes et où défilent terreurs et fantasmes en majesté…Pas besoin d'aller bien loin pour explorer ses tréfonds, il suffit juste, parfois, de se risquer au théâtre.
Fabienne Pascaud 8 juin 2011

Les frères Forman? Tout un monde à ne pas rater.
Annie Chénieux 2 juin 2011

Avant d'être un spectacle, Obludarium est un chapiteau de bois, une boîte à chimères de 120 places, "une chapelle ou un phare ouvert à tous", selon Matej.
Etienne Sorin 7 juin 2011

Les frères Forman, fils du réalisateur Milos Forman, ravivent une tradition qui convoque à la fois le monstre, le bizarre, l'exploit, le rêve et l'illusion. Comme une parenthèse chimérique pour lutter contre la monstruosité de la vie…
Gwénola David 1 mai 2011

Pendant presque deux heures, Obludarium, le spectacle des frères Forman, va tenir cette formidable promesse : réinventer un merveilleux et inquiétant monde de freaks, où le laid danse avec la belle, sur une musique de cuivres d’Europe de l’Est.
Grégoire Biseau 16 juin 2011

Entre fantasmes intimes, blagues cruelles et sympathiques échappées belles, la sympathique équipe de comédiens interprète avec vitalité cette comédie plus hystérique que familiale.
Caroline Châtelet 9 juin 2011

Marion Aubert manie l’outrance mais pas le mépris envers ses personnages. Chacun peut se reconnaître dans ses monstres.
René Solis 2 juin 2011

Gloutonne endiablée, espiègle cabotine, l’écriture de Marion Aubert cavale à toute bringue dans l’imaginaire et déniche les monstres planqués dans l’ordinaire des relations humaines.
Gwénola David 1 mai 2011

Sophie Cattani, Odja Llorca, Antoine Oppenheim, François Sabourin font œuvre, prise de risque en sus, d’une vraie modernité, d’un véritable esprit de recherche et d’une grande cohérence dans leur choix dramaturgique et dans le plus grand respect du matériau offert : le texte. Et encore une fois, quel texte ! Et se sont tous les quatre de formidables comédiens, unis et complices. Si Shakespeare est mort le théâtre, lui, est (parfois) bien vivant !…
Denis Sanglard 14 juin 2011

Le texte est beau, bien écrit, plein de poésies et de trouvailles langagières avec des tournures telles que « Dame pipi ou le conclave des latrines », toute une époque intellectuelle et artistique qui fout le camp après l’existentialisme et les poèmes de Boris Vian, là-bas non loin du café de Flore, rive gauche, Paris.
Djalila Dechache 18 juin 2011